Celuloide - Blog de Cine

País: Estados Unidos
Año: 1999
Título internacional: The straight story
Guión: John Roach, Mary Sweeney
Director: David Lynch
Actores: Sissy Spacek, Jane Galloway Heitz, Joseph A. Carpenter, Donald Wiegert, Richard Farnsworth, Tracey Maloney, Dan Flannery, Jennifer Edwards-Hughes, Ed Grennan, Jack Walsh, Max the Wonder Dog, Gil Pearson, Barbara June Patterson, Everett McGill, Anastasia Webb.
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“¿David Lynch, me estás cargando?” es la pregunta que con frecuencia me hago al ver alguna de sus películas. Si es cuestión de ser estrictos muchas historias y grandes films tienen como idea central algo que se aproxima al absurdo, algunas no cuentan nada y otras caminan los senderos de la condición humana. Lynch mueve esos filamentos muy especialmente si Una historia sencilla logra en sólo una escena resumirnos el espíritu del anciano protagonista (hago lo que se me da la gana no lo que vos me digas).

Alvin Straight (Richard Farnsworth) es un tipo grande, con muchos y de los más diversos problemas de salud, bien de tierra adentro, con ese acento que nosotros llamaríamos “de música country”. Vive con su hija Rose (Sissy Spacek) que tiene algunos “desórdenes” mentales, lo que también nosotros llamaríamos “un poco lenta” y prácticamente está alejado de toda su familia. Como la vida para ser humana tiene que tener la mayor cantidad de ingredientes amargos posibles, la lejanía no es casual sino que se origina en un distanciamiento afectivo con su hermano que lleva ya varios años.

Al llegar a oídos de Alvin, la noticia de la enfermedad de su hermano necesita de esa especie de rito de la reconciliación. Pero viven a kilómetros de distancia y por su edad y estado físico ya no le está permitido conducir. Renegando de cualquier sabio consejo y haciendo gala de su inmutable determinación Alvin emprende su viaje de todas formas, pero en tractor.

Puede ser mi precaria imaginación o mi escasa experiencia con tractores en ruta pero no puedo pintarme esta película sin visualizar esa línea que separa la sonrisa burlona (de Lynch) de la sonrisa satisfecha (la mía) por haber captado la esencia de la historia (o al menos creer que así es).

Aunque cada film tiene tantas interpretaciones como espectadores, seguramente existirán varias conclusiones en común entre todas ellas: que sólo David Lynch puede saltar de una historia simple de luz y de sombras como ésta a la complejidad y confusión de El camino de los sueños, filmada apenas un par de años después. Qué poco tiene que ver la intensidad de lo narrado con la velocidad de la historia y cómo se extrañan los buenos actores…

País: Estados Unidos
Año: 2001
Título internacional: Tape
Guión: Stephen Belber
Director: Richard Linklater
Actores: Ethan Hawke, Robert Sean Leonard, Uma Thurman.
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Vince (Ethan Hawke) está en su cuarto de hotel esperando a Johnny, su amigo de toda la vida. Dados los preparativos podemos sospechar que no es precisamente un encuentro “normal”.
Johnny (Robert Sean Leonard) es un director de cine principiante que ha vuelto a su ciudad natal a presentar su película en el festival local. Apenas cruza la puerta de la habitación se percibe su aire de superioridad como alguien que ha dejado los infantilismos detrás para proseguir una carrera “en la vida adulta”. Todo lo contrario de Vince que, en el momento del saludo, esquiva los abrazos cordiales y arremete contra la imagen perfecta y correcta del debutante director.
Vince es bombero voluntario pero sus mayores ingresos provienen de la venta de estupefacientes e irónicamente su mejor cliente es el jefe de la estación de bomberos. Esta situación es propicia para los consejos condescendientes y paternales de Johnny, que no deja de verlo con los ojos críticos de quien tiene su vida y metas resueltas.

Como quien no quiere la cosa y para aliviar tensiones, la conversación deriva en recuerdos de la escuela y especialmente de Amy (Uma Thurman) quien fue novia de Vince durante un tiempo para luego tener un breve amorío con Johnny.
Cuando los recuerdos se transforman en sórdidos y la conversación cobra altos niveles de tensión llega Amy al hotel, invitada secretamente por Vince para recrear vívidamente situaciones pasadas.

En este punto los juegos psicológicos ya destruyeron cualquier ilusión sobre la amistad. Cuando de mujeres (o al menos de Amy)se trata, la amistad masculina se corrompe con competencia, envidia y venganza, todo bordado con cierta superioridad moral por alguna de las partes. Los hombres comienzan a presionar a la mujer para que decida de qué lado está y todo se transforma en un desafío por el orgullo (o por tener la razón) dejando completamente de lado lo que este revoltijo de preguntas e insinuaciones puede provocar en la misma Amy.

Sin lugar a dudas Hawke “debe” ser dirigido por Linklater. Si lo observo de manera densa y pesimista podría decir que Vince, crecido y reformado decidió escribir novelas en Antes del atardecer, pero seamos benévolos y reconozcamos que está perfecto como ese amigo que jamás le presentaríamos a mamá. Uma por cierto hace bien las cosas y desde que por primera vez la vemos en pantalla sentimos su miedo a que suceda lo que finalmente sucede: el doloroso pasado atravesando la habitación.

País: Estados Unidos
Año: 2002
Título internacional: The good thief
Guión: Auguste Le Breton, Jean-Pierre Melville
Director: Neil Jordan
Actores: Nick Nolte, Nutsa Kukhianidze, Ouassini Embarek, Marc Lavoine, Emir Kusturica, Tchéky Karyo, Gérard Darmon, Saïd Taghmaoui, Patricia Kell, Julien Maurel, Roland Munter, Warren Zavatta, Théo Trifard, Sarah Bridges, Nicolas Dromard.
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Desde la década del ‘90 que dejé de prestarle atención a Nick Nolte hasta que el año pasado ví Clean y realmente me gustó. Ahora con Un gran ladrón vuelve a interpretar su personaje pendenciero/ adicto/ de los bajos (tachar lo que no corresponda) de siempre.
Si alguna vez imaginé como sería Nick Nolte la fantasía sería muy parecida a su personaje en la película.
Como el título lo indica es un ladrón, con muy mala suerte, cansado con varios años encima que devino en apostador.
Hasta que el bichito vuelve a picarle y prepara un gran golpe en el casino (por supuesto) de Montecarlo.
Lo que criticaría en cualquier otro film en este caso lo aplaudo, una gran cantidad de personajes que seguir. Cada uno de ellos tiene su riqueza (el único que no me gustó es la prostituta adolescente interpretada por Nutsa Kukhianidze). Desde un matón que se cambió de sexo hasta gemelos que duermen con el mismo pijama pasando por Emir Kusturica cuyo personaje es de lo más simpático.

No fue hasta que vi los extras del DVD que caí en la cuenta de la cantidad de diálogos en la historia, el propio director Jordan habla de algo así como 45 palabras por minuto pero lo cierto es que no me cansé en ningún momento y disfruté mucho de ciertas escenas, sobre todo entre Nolte y el policía “bueno”.
Dicho sea de paso la edición nacional del DVD es muy mala (como tantos otros).

P.D.: Para quien guste de Leonard Cohen podrá disfrutar de “A thousand kisses deep” que es excelente.

País: Alemania, España, Francia, Italia, Reino Unido
Año: 2000
Título internacional: Bread and roses
Guión: Paul Laverty
Director: Ken Loach
Actores: Pilar Padilla, Adrien Brody, Elpidia Carrillo, Jack McGee, Monica Rivas, Frankie Davila, Lillian Hurst, Mayron Payes, Maria Orellana, Melody Garrett, Gigi Jackman, Beverly Reynolds, Eloy Méndez, Elena Antonenko, Olga Gorelik.
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Existen realizadores de los llamados “sociales” que se interesan por los conflictos de la clase trabajadora, o conflictos raciales o injusticias políticas. Pero que un realizador inglés se adentre en la realidad de los emigrantes mexicanos en Los Angeles al menos no pasa desapercibido.
Ese realizador en Ken Loach, director pilar de lo que se llama Cine social, con muy buenas películas en su haber, recomendables todas ellas.

Pan y rosas focaliza en Maya (Pilar Padilla) que logra ingresar ilegalmente a Estados Unidos gracias a la ayuda económica que le proporciona su hermana (que te escondan en la frontera y te lleven “como sea” en la parte de atrás de una camioneta tiene su precio).
Afortunadamente su hermana Rosa (Elpidia Carrillo) también le consigue trabajo con ella en “Angel” una de las más grandes empresas de limpieza de oficinas de Los Angeles.
¿Más grande por qué? Porque no están sindicalizados, porque son los que menos pagan la hora y son lo que conservan a los empleados jóvenes que menos problemas les traen.

Allí -como siempre o casi- aparece un sindicalista hábil de palabra y con gran poder de convicción, interpretado por Adrien Brody, desaliñeado, algo torpe y sobre todo sin miedo a romper estructuras, su meta es lograr que los empleados de “Angel” se adhieran al sindicato cueste lo que cueste.
Aparecen miedos, dudas, la certeza del despido en caso de que se conozcan las reuniones secretas y una politización de la causa desde adentro del sindicato mismo: “Esta causa es muy difícil, mejor pongamos foco en otra que sea un triunfo asegurado”
La muestra de que los trabajadores en realidad poco importan.

Muchas de las escenas parecen salidas de un ensayo o improvisación, sobre todo entre las hermanas, los diálogos y expresiones son tales que uno siente vivir la experiencia.
Afortunadamente para el espectador, el que prefiere no ser llevado de las narices, el mensaje final se desprende de la historia misma, no es moralina aleccionadora sino una conclusión inevitable.

País: Alemania, Argentina, Francia
Año: 2003
Título internacional: The magic gloves
Guión: Martín Rejtman
Director: Martín Rejtman
Actores: Gabriel Fernández Capello, Valeria Bertuccelli, Fabián Arenillas, Susana Pampin, Cecilia Biagini, Diego Olivera, Leonardo Azamor.
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Un remisero desganado, una (ex) novia melancólica, una (nueva) novia azafata, y un grupo de amigos traídos por el destino en un viaje en remis con el hermano de un ex compañero de colegio.

Los guantes mágicos es la recolección perfecta de todas las conversaciones que reverberan en nuestra memoria aún sin tener la certeza de alguna vez haberlas escuchado.
De las que lo más importante es decir lo que uno quiere decir más que ser escuchado y mucho menos respondido. Esa verborragia irritante contrapuesta con esos incómodos silencios, pero es una irritación e incomodidad de la que nadie se hace cargo, queda ahí flotando en el aire para que el espectador resuelva qué hacer.

Situaciones inverosímiles, increíbles pero de las que vivimos en cada colectivo al que nos subimos, taxi del que agradecemos bajarnos, boliche al que vamos y happy hour en el que nos emborrachamos.

Cada uno de los personajes tiene un detalle inconfundible, Cecilia (la ex) tiene los ojos llorosos todo el tiempo, pero no es de tristeza, es un estado de melancolía permanente según lo describe, Valeria (la nueva) tiene esto de no poder parar ni de moverse ni de soñar, Sergio (uno de los nuevos amigos) es un músico amateur que grabó su disco solo (él tocó todos los instrumentos, como su esposa repite orgullosa), Susana (la esposa) es una verborrágica incontenible que pasa del análisis, al yoga, a recomendar viajes a un spa de Brasil.

Mucho del encanto de esta película tiene que ver con la repetición constante de algunas frases, así nos queda claro que los novios están contentos porque ambos trabajan en el rubro del transporte de pasajeros, que engordar 7 kilos en una semana es demasiado y que el destino preferido de la azafata es Canadá. Esta constatación le da un tono sobrio y serio a los argumentos más absurdos.

En cuanto a las actuaciones no puedo elegir ni preferir, pero tanto Cecilia Biagin, Valeria Bertuccelli como Susana Pampin parecen nadar dentro de sus personajes, están sencillamente fabulosas.

Hace tiempo que vengo deseando dar con películas como ésta, de las que te permiten disfrutar, reir, recordar, de las que parece te muestran todo pero te dejan a vos imaginarlo.

Pinta tu aldea y serás universal dicen por ahí.

P.D.: Ese “Vanishing point” de New Order del final no tiene precio.