Celuloide - Blog de Cine

País: Estados Unidos, Colombia
Año: 2004
Título internacional: Maria, full of grace
Guión: Joshua Marston
Director: Joshua Marston
Actores: Catalina Sandino Moreno, Yenny Paola Vega, Virgina Ariza, Johanna Andrea Mora, Wilson Guerrero, John Álex Toro, Guilied Lopez, Patricia Rae, Orlando Tobon
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María, llena eres de gracia es una película que promete más de lo que cumple pero que, sin embargo, vale la pena ver. Su reciente edición en video/DVD y su nominación para el Oscar a la mejor actriz protagónica constituyen dos buenas excusas para dedicarle un tiempo. Por lo pronto, se encontrarán con buenas actuaciones y una historia bien narrada. Lo demás es cuestión de ideología.

Según leí y escuché en algunas entrevistas, con este film el guionista y director Joshua Marston pretendió describir -y, porqué no, denunciar- la experiencia de vida de las llamadas “mulas” (personas que trafican droga de un país a otro, llevándola en sus entrañas). En este caso, el relato gira en torno a María Álvarez -la convincente Catalina Sandino Moreno-, colombiana desempleada de 17 años cuya desesperación por mantener a su pequeña familia y un embarazo al principio no deseado la llevan a aceptar la tarea.

La situación de pobreza, soledad, desprotección y riesgo que debe afrontar la protagonista alude claramente al via crucis -al menos a una parte- padecido por la madre de Cristo (de ahí el título, para algunos muy polémico). Salvando las distancias, ambos personajes comparten el hecho de ser jóvenes mujeres abandonadas a su suerte, que defienden la sobrevida de un hijo por venir y la suya propia.

Sin dudas, la propuesta es interesante por su acercamiento a ese contexto marginal que rodea a las “mulas”. En este sentido, la aproximación es honesta y, por lo tanto, evita todo juicio de valor que cuestione o condene a quienes encuentran en el narcotráfico una alternativa de escape de sus existencias miserables.

En cambio, el film pierde en su último tramo, donde parece que Martson “concede” una suerte de final feliz, o al menos esperanzador. Y aquí entra la cuestión ideológica que mencioné en el primer párrafo de esta reseña: personalmente, no creo que una “mula” latinoamericana tenga posibilidades concretas de cambiar de vida cuando así lo decida, y mucho menos que esa chance de superación tenga cabida en los Estados Unidos (tengamos en cuenta que María es pobre, indocumentada, y está sola).

En síntesis, María, llena eres de gracia es una de esas producciones que empiezan muy bien pero que terminan en cola de pescado. Es decir, con un final demasiado abierto, laxo, poco comprometido, como para no preocupar ni amargar demasiado al espectador. Es una lástima porque, de no ser por esa concesión, habría sido un trabajo mucho más rico.

De todos modos y más allá del desencanto, insisto: es una película que se deja ver. Así que ténganla en cuenta cuando se den una vuelta por su videoclub amigo.

País: Estados Unidos
Año: 2003
Título internacional: American splendor
Guión: Harvey Pekar (basado en el comic American splendor) y Joyce Brabner (basado en el comic Our Cancer year)
Director: Shari Springer Berman y Robert Pulcini
Actores: Paul Giamatti, Harvey Pekar, Hope Davis, Shari Springer, Vivienne Benesch, Earl Billings, Danny Hoch, James Urbaniak, David Letterman.
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Nunca había oído hablar de Esplendor americano. No sé si alguna vez transitó la cartelera de cine local, o si directamente pasó a la edición en video. Al menos yo la encontré por casualidad en un videoclub amigo, y el resumen impreso en la caja me llevó a alquilara.

La película retoma el irónico título de una historieta, con bastante éxito en el circuito underground de los Estados Unidos, que gira en torno a la vida de su guionista, Harvey Pekar, un inconforme archivista empleado en una clínica para veteranos de guerra. Así, el intento autobiográfico sirve de excusa para describir la cotidianeidad del ciudadano norteamericano tipo, sumido en la rutina y en la soledad.

Ante todo, el film es una suerte de prolongación -o de versión renovada- del comic. Lo interesante no está solamente en la visión amarga de su guionista/protagonista, sino también en la mezcla de formatos (documental, film de ficción e historieta) utilizados. De hecho, Pekar aparece de tres maneras: como él mismo en tanto entrevistado, encarnado por el actor Paul Giamatti (que ya vimos en Storytelling) y como dibujo.

El largometraje también se caracteriza por saltar de anécdotas cómicas (el padecimiento de una disfonía intermitente, o el comienzo de una relación amorosa) a imponderables dramáticos (la detección y tratamiento de un cáncer o, la peculiar incorporación de una “hija adoptiva”) con el mismo tono pintoresco, sin necesidad de cargar tintas ni en lo humorístico ni en lo trágico. Eso sí: el sarcasmo siempre está presente, sobre todo a la hora de criticar algunos aspectos del establishment norteamericano (en este sentido, se destaca la participación de Pekar en el talk show conducido por el famoso David Letterman).

Esplendor americano es, como diría algún intelectual snob, una película “bizarra”. Da gusto verla porque entretiene de una manera bastante original y, de paso, porque permite aprender sobre el reverso del tan promocionado “american way of life”, sobre el mundo del comic y sobre ese curioso personaje llamado Harvey Pekar.

País: Francia, Austria
Año: 2001
Título internacional: La pianiste, The piano player
Guión: Michael Haneke, basado en el libro de Elfriede Jelinek
Director: Michael Haneke
Actores: Isabelle Huppert, Annie Girardot, Benoît Magimel, Susanne Lothar, Udo Samel, Anna Sigalevitch, Cornelia Köndgen.

¿Qué hay detrás de una cuarentona sometida a una convivencia enfermiza con su madre? ¿Por qué su rebeldía pasa por la automutilación, el voyeurismo y las fantasías sadomasoquistas? ¿Cómo explicar que la música es lo único capaz de arrancarle algún atisbo de sentimiento noble? La profesora de piano no responde a estas preguntas (sería muy pretenciosa si así lo hiciera), pero las deja flotando en el aire, a modo de reflexión sobre la condición humana y sus rincones más abyectos.

El tema es denso, y esto no debería sorprender teniendo en cuenta que el argumento del film se basa en el libro homónimo de la austríaca Elfriede Jelinek. De hecho, la ganadora del Premio Nobel de Literatura 2004 es famosa por su visión impiadosa e intransigente de la vida y, más aún, de sus personajes. Tal como alguna vez comentó el español Vicente Muleiro en el suplemento Ñ, “no hay una línea de concesión en Jelinek. No hay respiro”.

Justamente ésta es la sensación que transmite la película… La de un mundo mórbido, infecto, decadente, asfixiante, donde la locura merodea como un fantasma: en la figura de un padre muerto, en la personalidad de Robert Schuman (compositor preferido de la profesora de piano, cuya obra -o al menos una parte- acompaña el desarrollo del relato), y en las reacciones de los personajes.

Por supuesto, la gran protagonista de este universo -y la gran víctima también- es Erika Kohut, severísima profesora de piano interpretada por Isabelle Hupert, a esta altura fácilmente identificable con el rol de mujer perversa, inescrupulosa, o sencillamente fría (para comprobarlo, basta con repasar Ocho mujeres, Gracias por el chocolate, No va más y La ceremonia).

Entre los muchos logros del largometraje, impresionan los primeros planos implacables a partir de los cuales la actriz francesa expresa emociones tan dispares como admiración, odio, desprecio, angustia e indiferencia. Asimismo, deslumbran el desempeño de Benoît Magimel, capaz de reflejar la mezcla de amor y repugnancia que el joven alumno siente por su profesora, y el arte de Annie Girardot, a la hora de encarnar a esa madre tan terrible.

La profesora de piano es una obra que impacta, que sacude, que deja huella y, sobre todo, que dispara muchas preguntas sin respuesta. Decididamente, no es una alternativa recomendable para cualquier ocasión (los fanáticos de los dramas convencionales y de los simples pasatiempos, ignórenla). Si deciden verla, elijan el momento adecuado y recuerden: en esta película, no hay concesión ni respiro.

País: Estados Unidos
Año: 2004
Título internacional: Collateral
Guión: Stuart Beattie
Director: Michael Mann
Actores: Tom Cruise, Jamie Foxx, Jada Pinkett Smith, Mark Ruffalo, Javier Bardem, Peter Berg, Bruce McGill.
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Básicamente, las relaciones entre chantajista y chantajeado, secuestrador y secuestrado se basan en una cuestión de poder: quien lo tiene, convierte a su contraparte en un objeto o, peor aún, en un instrumento. En este tipo de vínculos, llama la atención la inestabilidad. De hecho, el poder puede cambiar de lugar y, aunque sea por momentos, repartirse equitativamente entre quienes conforman la dupla, o inclinarse a favor del débil y sometido.

En cierto sentido, esto es lo que refleja Colateral, película dirigida por el creador de División Miami (¿se acuerdan de la serie ochentosa interpretada por Don Johnson?). Aquí, el asesino a sueldo Vincent debe matar a cinco personas que viven en distintos puntos de la ciudad de Los Ángeles. Para ubicarlas lo antes posible, contrata -y luego secuestra- al taxista Max, convertido en un rehén tan útil como imprevisible.

Sin dudas, el film de Michael Mann no teme concentrarse en la relación entre secuestrador y secuestrado. Al contrario, la explota, y hasta juega con ella. Así, lo que primero aparece como una simple oposición entre buenos y malos (frío mercenario experimentado versus taxista ingenuo y asustado), después se transforma en un encuentro entre “pares” (ambos personajes son, cada uno en lo suyo, profesionales serios y cumplidores) para, por fin, terminar en un duelo de titanes (cuya lucha se da de igual a igual).

Al mismo tiempo, y más allá de su componente psicológico, Colateral no deja de pertenecer al género policial y de acción. De hecho, despliega suspenso y violencia de una manera muy efectiva, con escenas contundentes -por ejemplo, la carnicería en la discoteca y la persecución en el tren- y con un escenario ideal, como es la ciudad de Los Ángeles.

Según consta en el sitio IMDB, el guionista Stuart Beattie había pensado en Robert De Niro para el papel de Vincent, pero los productores preferían a alguien más joven. Finalmente, se optó por un Tom Cruise avejentado (en honor a la verdad, sorprende verlo tan canoso). En definitiva, tanto él como Jamie Foxx/Max hacen un trabajo impecable, con mucha ductilidad.

Lo único reprochable de este largometraje es su final forzado y demasiado “hollywoodense”. Pero no seamos quisquillosos: Colateral, tiempo y lugar equivocados (con este título se lo conoció en la Argentina) es una propuesta argumental interesante, visualmente atrapante, y con actuaciones muy logradas. Se trata, en suma, de dos horas de muy buena acción.

País: Estados Unidos, Canadá, Alemania.
Año: 2002
Título original: Confessions of a Dangerous Mind
Guión: Charlie Kaufman
Director: George Clooney
Actores: Sam Rockwell, Drew Barrymore, George Clooney, Julia Roberts, Rutger Hauer.
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En su momento había escuchado de esta película, sabía que era la primera vez que George
Clooney incursionaba en la dirección y que se basaba en un libro, supuestamente
verídico. También sabía que había cierto halo de misterio alrededor de la historia, como que el autor aceptó entrevistarse con Clonney con la condición de que nunca se le preguntara si la historia era cierta o no.

Sólo la vi para pasar el rato, realmente no esperaba nada de la película. Al comienzo veo
que Drew Barrymore es una de las protagonistas, y sí, debo admitirlo, Drew tienen ese no se qué, que la hace caerme simpática y suelo ver todas las pelis en las que actúa, aunque sean bodrios, sólo por su presencia. Peor aún, también está Julia Roberts, que es otra de las personas que engrosan mi lista de simpáticos/as, asi que me senté a verla con curiosidad.

En resumidas palabras la historia se trata de un “looser”, que no tiene suerte con las chicas (cosa que queda bastante clara), que se convierte en una súperestrella de la televisión (¿sueño americano, yo?), que tiene un segundo “trabajito” para la CIA matando gente.

Por momentos parece una producción de Polka, con esas cositas a las que Suar nos tiene
acostumbrados, convocando a los amigos y contratando a viejas figuras ya casi olvidadas de la TV. En este caso vemos “cameos” de Brad Pitt y Matt Damon (una escena graciosa por cierto) y la reaparición de Rutger Hauer (hacía años que no lo veía) en uno de sus clásicos papeles de malo, esta vez con cierto toque de humor negro. Como para que ninguno de nosotros piense que se trata de un clan ni nada parecido, vemos que el productor ejecutivo de la película es Steven Soderbergh, director de La gran estafa (Ocean’s eleven) y de La nueva gran estafa (Ocean’s twelve) , que fueron protagonizadas por Clooney, Roberts, Pitt y Damon, entre otros.

Otra coincidencia es que el protagonista Sam Rockwell ya trabajó con Drew Barrymore en Los ángeles de Charlie (como ya dije, la ví por Drew). De más está decir que aquella actuación pasó sin pena ni gloria delante de mis ojos, no así en esta oportunidad, en donde creí completamente su impotencia para relacionarse con las chicas, donde creí su creciente ego al adentrarse en el mundo de la televisión, donde creí su paranoia hacia el final de la película.

Es una buena película, recomendable. Quizás lo hubiera sido más, si no fuera por mi saturación de estos últimos días en los que vi justamente Ocean’s twelve.
Tiene un muy buen guión que oscila en la medida justa entre lo creíble y lo fantástico, escrito por Charlie Kaufman, el mismo de ¿Quieres ser John Malkovich? y Eterno resplandor de una mente sin recuerdos.
Un film entretenido, que no me cambió la vida, pero que me hará prestar atención a la próxima producción de Clooney o Rockwell.

Para ver a la gran familia hollywoodense, bah…
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Nota: si tienen la suerte de contar con los paquetes codificados de cine en su operador de videocable amigo, busquen en la grilla porque la están dando por HBO