Celuloide - Blog de Cine

País: Francia, Gran Bretaña
Año: 2003
Título internacional: Love actually is all around
Guión: Richard Curtis
Director: Richard Curtis
Actores: Hugh Grant, Emma Thompson, Liam Neeson,
Colin Firth, Bill Nighy, Gregor Fisher, Rory MacGregor,
Sienna Guillory.

Realmente Amor es una de esas películas que convocan a varias “estrellas” del momento -en este caso, desde Hugh Grant y Emma Thompson hasta la mismísima Claudia Schiffer- para contar historias anodinas de un grupo de gente común, a la que le suceden las mismas cosas (o parecidas) que a uno. La propuesta no pretende mucho más que entretener a partir de pequeñas historias de amor, algunas más creíbles que otras, y de ese juego que consiste en ir “descubriendo” a las celebridades participantes del proyecto.

La idea central del largometraje retoma el verso principal de Love is all around, canción que se hizo famosa por encabezar la banda de sonido de la taquillera Cuatro bodas y un funeral. Esto no es casual, ya que los productores del mencionado film, así como de Un lugar llamado Notting Hill y de El diario de Bridget Jones, son también responsables de Realmente Amor.

Dada esta “coincidencia”, es entendible entonces que uno se (re)encuentre con cierta picardía característica, además de una visión un tanto edulcorada de las relaciones afectivas. También resulta lógico toparse con el siempre seductor Hugh Grant, figurita repetida en Cuatro bodas…, Notting Hill, El diario de…, y Bridget Jones al borde de la razón.

Por lo demás, no hay mucho para agregar… Indudablemente, el trabajo de Richard Curtis no se destaca por un argumento extraordinario, ni por increíbles efectos especiales, ni por actuaciones brillantes. Sin embargo, esto no significa que se trate de una producción poco interesante o aburrida.

Al contrario, Realmente Amor es una película agradable, con una dosis justa de humor y sensibilidad. En definitiva, se trata de una opción ideal para ver en estas Fiestas.

País: Argentina, Francia, Italia y España

Año: 2004
Título original: El abrazo partido / Lost embrace
Guión: Marcelo Birmajer y Daniel Burman
Director: Daniel Burman
Actores: Daniel Hendler, Sergio Boris, Adriana
Aizemberg, Jorge D’Elia, Rosita Londner, Diego
Korol, Silvina Bosco, Melina Petriella, Isaac Fain,
Atilio Pozzobon.

El abrazo partido es una de esas películas con la que uno se encariña… Uno se encariña con sus personajes, con esa galería del Once y, por supuesto, con ese barrio tan pintoresco de la ciudad de Buenos Aires. Después de verla, dan ganas de recorrer la calle Lavalle entre Pueyrredón y Ayacucho y -por qué no- de pasar a saludar a Sonia, a Joseph, a Ramón, a los Saligani, a Mitelman, a Rita y a Osvaldo.

Por otro lado, esta película de Daniel Burman girar alrededor de Ariel, un joven de veintipico obsesionado por la ausencia de su padre Elías que vive en Israel desde hace unas dos décadas. Además de resentimiento por el abandono paterno, el protagonista atraviesa una crisis personal que lo empuja a tramitar la nacionalidad y el pasaporte polacos para probar suerte en Europa.

La aparente inminencia de esta partida da origen a un planteo casi generacional (no olvidemos que el cineasta y su alter ego en la pantalla se acercan a la edad de los 30) sobre los afectos, el amor, la paternidad, el trabajo y la pertenencia a una religión, a una cultura, a un país. En este punto, El abrazo partido sobresale por su simplicidad, su frescura y su honestidad a la hora de presentar dudas y cuestionamientos. De hecho, alejada de los discursos sentenciosos, la película propone una narración sencilla, sin vericuetos argumentativos ni técnicos.

Tras su estreno en las salas de cine, algunos críticos vernáculos le achacaron su costado “costumbrista” y ciertos “gags” atribuíbles a la factoría Pol-ka. A no tomarlos en serio… No es la primera vez que la solemnidad les impide disfrutar de ciertos toques de humor y de algunos trazos caricaturescos, así como valorar un retrato pintoresco de determinada idioscincracia. Además, si después de todo tuvieran razón, ¿qué hay de tan malo en el costumbrismo?

Más allá de esta pregunta, lo cierto es que la mirada de Burman sobre sus personajes del Once porteño es cálida, generosa, libre de prejuicios. Por su parte, quienes los interpretan (Daniel Hendler, Adriana Aizenberg, Salo Pasik entre otros) se lucen en la tarea de hacerlos queribles y hasta conmovedores.

Tanto es así que, efectivamente, después de ver El abrazo partido, uno se queda con ganas de recorrer la calle Lavalle entre Pueyrredón y Ayacucho y -por qué no- de pasar a saludar a Sonia, a Joseph, a Ramón, a los Saligani, a Mitelman, a Rita y a Osvaldo.

País: Gran Bretaña
Año: 1994
Título original: Shallow grave
Guión: John Hodge

Director: Danny Boyle
Actores: Kerry Fox, Ewan Mc Gregor,
Christopher Eccleston.

“La gente puede ser mala”, se lamenta David, el tímido contador de Tumba al ras de la tierra, antes de que una banda sonora estridente y vertiginosa presente el relato sobre cómo él y sus compañeros Alex y Juliet fueron convirtiéndose en víctimas de la propia codicia hasta quedar implicados en un angustioso ambiente de intriga y muerte. Además de trasuntar la atmósfera intranquila de toda narración de suspenso, esta película aporta una visión ácida, con calculadas cuotas de humor negro, sobre el poder corruptor del dinero y la ambición latente en cualquier ser humano.

Todo empieza cuando tres jóvenes profesionales que comparten un amplio departamento encuentran muerto por sobredosis, en su habitación, al recién instalado Hugo. Este supuesto escritor “en busca de su propio yo” deja una valija repleta de libras esterlinas. El hallazgo de semejante botín une a los compañeros de pensión que deciden deshacerse del cadáver para poder disfrutar del dinero. Sin embargo, la mezquindad, la culpa -admitida o no- y el miedo los enfrentarán fatalmente.

En esta historia, la inteligente dirección de Danny Boyle logra congeniar elementos de la intriga policial y el thriller psicológico con los propios de la sátira. Por un lado, el recurso de una fotografía opaca y la recreación de espacios oscuros e inescrutables (como el desván del departamento, o la aparentemente infinita escalera en caracol del edificio) generan un ambiente tenso, similar al de las clásicas películas de Alfred Hitchock.

Por otro lado, la esquemática caracterización de los protagonistas acelera con cinismo el crescendo del relato. Tanto es así que la trama deriva en una inesperable situación límite donde los escrúpulos ceden lugar a los instintos más bajos, al “sálvese quien pueda” y -por qué no- a la tantas veces citada frase “el hombre es el lobo del hombre”.

En este sentido, las excelentes actuaciones de Kerry Fox y los por entonces desconocidos Christopher Eccleston y Ewan Mc Gregor (recordemos que Tumba al ras de la tierra fue filmada hace diez años) concretan la difícil tarea de exteriorizar la transformación sufrida por los personajes. En este sentido, es realmente notable cómo logran la exacerbación negativa de determinados perfiles, siempre respetando los parámetros deseables de verosimilitud y evitando los estereotipos burdos.

La complemetación entre un trabajo actoral sin histrionismos excesivos, un guión bien estructurado (con sus tiempos de acción cuidadosamente medidos) y una composición de imagen sugerente (prescindente de cualquier golpe bajo) es la clave para que este -a esta altura “viejo”- film de Danny Boyle sea una propuesta original y altamente recomendable.

Definitivamente, Tumba al ras de la tierra es una película que atrapa y gusta a todos… Incluso a aquéllos que, como David, creen que nada puede separar a los amigos.

País: Gran Bretaña
Año: 1966
Título original: Fahrenheit 451
Guión: Jean-Louis Richard según la novela de Ray
Bradbury
Director: François Truffaut
Actores: Oskar Werner, Julie Christie, Cyril Cusack,
Anton Diffring.

Por más extraordinario que nos resulte, el cine suele toparse con una barrera o traba que entorpece, frustra y, en el peor de los caos, arruina las adaptaciones de obras literarias. Algunos entendidos explican este fenómeno a partir de diferencias irreconciliables entre formatos o “soportes”. Otros aluden a la propia película que nos hacemos mientras leemos determinado libro, y que siempre superará la propuesta de cualquier director, por más talentoso que sea.

Afortunadamente, toda regla tiene su excepción y, de hecho, el Séptimo Arte ha sabido plasmar la esencia de algunas novelas. Éste es el caso de la futurista Fahrenheit 451, escrita en 1953 por el norteamericano Ray Bradbury, y llevada a la pantalla grande en 1966 por el francés François Truffaut.

Más allá de las críticas que se le hicieron (son recordadas las que se quejan de una mala elección del elenco y de una interpretación muy personal del final de la historia), el director de Los cuatrocientos golpes y Jules et Jim propone una versión interesante que, a casi cuarenta años de realizada, mantiene su vigencia. Así, quien haya leído el libro de Bradbury sentirá que la esencia de la trama es respetada y volverá a compenetrarse con el drama de ese bombero del futuro entrenado para quemar libros.

Cuando uno repasa las reseñas de la época, llama la atención el menosprecio por el trabajo del actor principal, Oskar Werner (incluso ciertos críticos lamentan que el rol no haya quedado en manos de Paul Newman, tal como se había pensado en una primera instancia). Sin embargo, la composición de Montag es irreprochable: basta con detenerse en su mirada para percibir la toma de conciencia y la paulatina transformación del personaje.

De Julie Chistie tampoco se habla muy bien. Pero -seamos honestos- ¿por qué pedirle peras al olmo? ¿Qué puede pretenderse de quien quedó eternamente pegada a la insulsa La novicia rebelde? A lo sumo, en este punto sí deberíamos coincidir con aquellas críticas que acusaron a Truffaut y su equipo de haber hecho un mal casting.

En definitiva, probablemente ésa sea la objeción más importante que podamos atribuirle a Fahrenheit 451. Por lo demás, se trata de un título muy recomendable: para recordar a dos grandes como Truffaut y Bradbury, para disfrutar de un casi “clásico” y para comprobar que, a veces, cine y literatura bien pueden ir de la mano.

País: Estados Unidos
Año: 2004
Título original: Eternal sunshine of the spotless mind
Guión: Charlie Kaufman
Director: Michel Gondry
Actores: Jim Carrey, Kate Winslet, Kirsten Dunst,
Mark Ruffalo, Tom
Wilkinson, Elijah Wood.
Sitio Oficial

Varios críticos calificaron a Eterno resplandor de una mente sin recuerdos como una “comedia romántica” original. Cuesta entender esta
consideración cuando el guión de Charlie Kaufman -nominado al Oscar por Ladrón de orquídeas y ampliamente reconocido por ¿Quieres ser John Malkovich?-
va mucho más allá, con un planteo filosófico sobre conceptos tan
complejos como el amor, el tiempo y la propia existencia

Lejos de apostar al tono de comedia, el director francés Michel Gondry
elige un estilo surrealista que aborda el drama de Joel Barish (uno de
las mejores actuaciones de Jim Carrey), obsesionado con la idea de
borrar de su mente todo recuerdo que lo ate a su ex novia Clementine
Kruczynski (la muy convincente Kate Winslet). Para ello, recurre a una suerte
de tratamiento médico, por momentos parecido al electroshock, cuya
puesta en marcha hará que el personaje termine debatiéndose entre la
necesidad de olvidar (para ponerles fin a su despecho) y la voluntad de
aferrarse a su experiencia de vida (para mantener intacta la identidad).

Desde el punto de vista formal, la película rompe con la cronología
convencional y, en cambio, apuesta a un relato fragmentado y circular a la
vez. En este sentido, es probable que el espectador detecte la mano de
Gondry, adiestrada en el arte del videoclip. Seguramente también
recordará otras películas como la innovadora Memento o la morbosa
Irreversible que también se caracterizan por “deconstruir” -más que “construir”-
una historia.

De esta manera, mediante elipsis, saltos narrativos, artilugios
escénicos y de iluminación, Eterno resplandor… se permite transitar el
laberinto psíquico de sus personajes, así como jugar con la arbitrariedad
temporal. Por suerte en este caso, el talento de la dupla Kaufman-Gondry
sortea los peligros de confusión y de desvariación que podrían surgir
de tantos giros argumentativos.

El único problema, quizás, es que semejante preocupación por la
prolijidad formal del relato haya opacado la presencia de los personajes. En
otras palabras, como espectadores corremos el riesgo de estar tan
atentos a “armar” la historia que descuidamos nuestra relación directa con
los protagonistas.

Tal vez por esta característica Eterno resplandor…sea un film
intelectual antes que emocional. Esto no significa que genere indiferencia
(que levante la mano quien no se haya sentido identificado con la
desdicha de Joel). Tampoco significa que se trate de un discurso sentencioso
y, por lo tanto, tedioso. Simplemente estamos ante una propuesta que
privilegia el ejercicio reflexivo en detrimento de una compenetración
sentimental profunda.

No obstante, la película de Charlie Kaufman y Michel Gondry no deja de
conmover. Al contrario, uno queda impactado después de verla, como si
efectivamente hubiera recorrido los laberintos de la mente humana cuando
intenta olvidar o ignorar la amargura del desamor. Tristeza, desazón,
fatiga son algunas de las sensaciones registradas. Sensaciones que, mal
que mal y después de todo, nos mantienen vivos y, por suerte, alejados
de aquel eterno resplandor propio de una mente sin recuerdos.