Celuloide - Blog de Cine

País: Francia, Italia, Reino Unido
Año: 2006
Título internacional: The Queen
Guión: Peter Morgan.
Director: Stephen Frears
Actores: Helen Mirren, Michael Sheen, James Cromwell, Sylvia Syms, Alex Jennings, Helen McCrory, Roger Allam, Tim McMullan, Douglas Reith, Robin Soans, Lola Peploe, Joyce Henderson, Pat Laffan, Amanda Hadingue, John McGlynn.
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Honestamente ¿A quién le importan los manejos del gobierno de Tony Blair en los días posteriores a la muerte de Lady Di?
A mí no.

La reina es una prueba irrefutable de cómo lograr un buen film con una historia que no sobrevive ni al chusmerío de peluquería. El Primer Ministro Tony Blair, joven, accesible (al menos en ese momento), distinto a lo que nos tienen acostumbrados los ingleses, una Reina absorbida por el protocolo y a años luz de la realidad, el Duque de Edimburgo absolutamente insoportable, la Reina Madre longeva por demás con preparativos fúnebres incluídos y el Príncipe Carlos cuya característica más notoria siempre ha sido llevar el mote del inepto de la Corona.

Todos los personajes requeridos para una historia ni siquiera pasatista, porque a decir verdad no hay nudo suficiente ni para la novela de la tarde, que inesperadamente logran revertir el destino inevitable que hasta el momento parece tener este post.

Entonces llegan las magníficas y vitales excepciones, y me saco el sombrero -una vez más- ante Helen Mirren.

Interpretar un personaje histórico, popular y contemporáneo debe ser una de las tareas más difíciles para cualquier actor. Sobre todo porque teniendo material de archivo al alcance de la mano se corre el riesgo de caer en la imitación (observar los incontables biopics de los últimos años), tentación que Mirren esquiva elegantemente.

Tampoco es fácil dejar de lado el ego e interpretar a Elizabeth II como Helen Mirren cree que la reina hubiera actuado ante los hechos en lugar de mostrarse a si misma imaginándose Reina (observar los incontables biopics de los últimos años).

Finalmente tampoco es sencillo obviar la lágrima fácil y los golpes de efecto. Suponer escenas de llanto por Diana Spencer, ridiculización de Carlos, demonización de la Reina e idealización del debutante Primer Ministro (observar los incontables biopics de los últimos años) hechos también eficazmente evitados por la dirección de Frears.

Luego de ver a Helen: Penélope dejá de soñar.

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País: Estados Unidos
Año: 2006
Título internacional: Borat: Cultural Learnings of America for Make Benefit Glorious Nation of Kazakhstan
Guión: Sacha Baron Cohen, Peter Baynham, Anthony Hines y Todd Phillips.
Director: Larry Charles
Actores: Sacha Baron Cohen, Ken Davitian, Luenell.
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Habrá que estudiar con precisión la razón por la que Borat haya logrado colarse entre las películas más vistas de Estados Unidos durante varios fines de semana. A simple vista el film no deja de castigar sin compasión a la idiosincracia de los nacidos en ese país, por lo que verla puede significar dos cosas: o bien la dosis de masoquismo requerida para la subsistencia diaria de esta gente es bien alta, o bien no se ven indentificados en absoluto y siempre el representado en la pantalla resulta ser el de la butaca de al lado y nunca ellos mismos.

En cualquiera de los dos casos hay dos clases de comicidad muy distintas en la película. ¿Será que Sacha Baron Coen subestima tanto a los norteamericanos como para que ciertos gags sean de tal nivel? Se me ocurre que la línea que sigue con la lucha cuerpo a cuerpo desnudos, defecar en público o la sorpresiva presencia de una gallina en una valija no es la misma línea que se sigue cuando se remarcan ciertas características de la conciencia popular que más que a la gracia se aproximan a la tragedia.

Por ejemplo lo imperturbable que permanece un vendedor de autos ante la pregunta de Borat sobre si el Hummer que está mostrando sirve para atropellar y matar en el acto a un grupo de gitanos o decirle a un grupo de feministas “no voy a seguir escuchando lo que el viejo está diciendo” haciendo referencia a una de las veteranas del grupo.

Como se dice habitualmente: hay para todos los gustos.

Y debajo de todo, lo mejor es la cabal muestra de cuán poco avanzadas son determinadas posturas ideológicas en el país más poderoso del planeta. Paralelismo magníficamente trazado con Kazajistán.

Al comienzo del film Borat nos muestra su aldea, un pueblo quedado en el tiempo, muy pobre pobrísimo, con costumbres muy peculiares como la “corrida del judío” o que la mujer más vieja del lugar tenga 43 años. También Borat besa apasionadamente a una mujer que resulta ser su hermana y la presenta como la 4° prostituta del pueblo por lo que ella muestra orgullosa su trofeo a cámara.

Luego cuando llega a Estados Unidos defeca en la puerta del edificio Turner, se masturba en la vidriera de la tienda de ropa interior Victoria’s Secret y agradece las comodidades de su habitación en el hotel cuando en realidad sólo es el ascensor.

Para que finalmente Oh! casualidad, semejante cavernícola, proveniente de un país tan lejano, bruto y poco civilizado tenga tanto pero tanto en común con el estadounidense promedio.

Grabado en mis retinas quedó el tramo protagonizado por Pamela Anderson y su corrida en un zapato por el estacionamiento del shopping. Aunque al final quizás nada es lo que parece y como dice la canción “the joke was on me”.

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País: Estados Unidos
Año: 2006
Título internacional: Flags of our fathers
Guión: William Broyles Jr. y Paul Haggis, basados en el libro de James Bradley y Ron Powers.
Director: Clint Eastwood
Actores: Ryan Phillippe, Jesse Bradford, Adam Beach, John Benjamin Hickey, John Slattery, Barry Pepper, Jamie Bell, Paul Walker, Robert Patrick, Neal McDonough, Melanie Lynskey, Thomas McCarthy, Chris Bauer, Judith Ivey, Myra Turley.
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Crítica enviada por nuestro lector Painé

Llegué un poquito tarde, así que me perdí el principio y tal vez los títulos. La película cuenta la historia de los soldados estadounidenses que se volvieron famosos porque los fotografiaron mientras izaban una bandera en la isla de Iwo Jima en una batalla contra Japón durante la Segunda Guerra Mundial.

La fotografía es realmente maravillosa, capta un momento en el que se aprecia un sentido de solidaridad, cooperación y esfuerzo realmente encomiable y estéticamente impecable en cuanto a la distribución de los personajes. Es tan hermosa en ese instante que no importa que casi todo lo que vino después sea falso, porque en lo que más se detiene la historia es en indagar qué les pasó a los soldados, cómo fueron manipulados solamente para recaudar dinero.

La película salta constantemente entre distintos tiempos y lugares, uno más o menos actual, el de la invasión a Iwo Jima y la llegada de los soldados a Estados Unidos. La parte menos buena es la invasión a Iwo Jima, un montón de efectos especiales que la hacen parecer una mezcla de Steven Spielberg (no me sorprendió ver su nombre como productor) con el mismo estilo que Rescatando al Soldado Ryan y de George A. Romero con su frontal mutilamiento de seres humanos.

Seguro que en una batalla se ven cosas horribles pero en un cine no hay por qué representarlas/mostrarlas. Durante años se hicieron películas de guerra que no se parecían en nada a El día de los muertos, y Clint Eastwood es un director de estilo muy clásico. La verdad es que no me esperaba que las escenas de guerra fueran tan spielbergianas.

Además Eastwood casi siempre se llevó mal con los efectos digitales. Su cine (excepto por Jinetes del espacio) gana dramatismo y profundidad con la filmación sencilla y directa que le permite hacer maravillas con los actores.

Que la filmación sea sencilla y directa no significa que la película lo sea. Al contrario, además de los constantes cambios de tiempo, también hay escenas que engañan (con buenas armas e intenciones) al espectador. La más notoria es cuando se ve a los soldados subiendo penosamente una roca y poniendo una bandera en la cima entre lo que parecen explosiones de bombas, para al final mostrarnos que es sólo un acto más en su campaña para recaudar fondos y que las bombas eran en realidad fuegos artificiales.

El tema principal de la película no es ni la guerra ni cómo las personas son manipuladas por el Estado y la opinión pública sino averiguar qué es lo que lleva al heroísmo, qué hace que una persona arriesge su vida o incluso la entrege para salvar a su compañeros o a los desconocidos que los rodean. Ni el superheroismo altruista que vende el Estado ni la indiferencia absoluta. Por eso el último plano con los soldados jugando alegremente en el mar despreocupados, olvidados de la guerra y la bandera.

Me impresionó mucho la actuación de Adam Beach, que interpreta a un soldado de origen indígena, muy sensible, inteligente y callado. Es quién más sufre con la situación de hipocresía que los rodea y no logra adaptarse a la vida como civil. Muy buena.

Ésta es sólo la primera parte. La segunda se llama Cartas de Iwo Jima y cuenta la misma invasión a la isla pero desde el lado de los japoneses.

Painé
[email protected]

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País: Estados Unidos, Francia, Japón
Año: 2006
Título internacional: Marie Antoinette
Guión: Sofia Coppola.
Director: Sofia Coppola.
Actores: Kirsten Dunst, Jason Schwartzman, Steve Coogan, Judy Davis, Marianne Faithfull, Rose Byrne, Shirley Henderson, Molly Shannon, Rip Torn, Clara Braiman, Mélodie Berenfeld, Al Weaver, Jean-Christophe Bouvet, Céline Sallette, Io Bottoms.
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Analizar María Antonieta con rigor histórico nos haría perder el encanto. Muchas películas de época usan estrictos cánones de vestimenta, escenarios y lenguaje para lograr efectivamente sumergir al espectador en el momento justo de la Historia. María Antonieta no los necesita.

El film de Sofía Coppola es actual. Se trata de una adolescente de 14 años que usa modismos de nuestros días y se comporta como tal, en un contexto de “exilio” con el mero fin de dar a luz al sucesor del trono francés.

Todos los aspectos criticables de la producción de Coppola son válidos desde el punto de vista de quien espera precisión, rigidez y/o severidad. Y creo yo que saldrán indignados de la sala de cine con justa razón, porque desde ese lugar María Antonieta hasta puede parecer una falta de respeto.

Afortunadamente en esta ocasión no estuve sentada en ese lado, sino que muy por el contrario me sometí a la magia del cine. Y en este largometraje hay mucha.

Desde el comienzo escuchando en off a María Teresa (Marianne Faithfull) diciendo “La amistad entre Austria y Francia debe ser asegurada mediante el casamiento” ingresé a un mundo maravilloso. Donde existe una atmósfera ideal para la historia que se cuenta. Donde todo parece un cuento de hadas y porqué no una casa de muñecas.

Como esa escena en una fiesta en la que se ven dos barcos en miniatura lanzándose bombas en alusión a la lejanía del mundo exterior (la guerra entre Estados Unidos e Inglaterra que Francia financia, tema que nunca se trata en la película).

De hecho nada que transcurra fuera del palacio de Versailles aparece en el film. Esto es el mundo de María Antonieta que lejos está de la realidad social y política de la época.

Haber logrado la autorización del gobierno francés para filmar en locaciones reales es el gran hito del film. Mucho de su encantamiento radica allí, en el palacio y jardines de Versailles.
Además de un Jason Schwartzman tan desencajado y fuera de órbita como los personajes masculinos de Coppola suelen ser (recordar Perdidos en Tokio), la dureza de Judy Davis como la Condesa de Noailles y las grandes Shirley Henderson y Molly Shannon como las tías Sophie y Victoire respectivamente que ponen el guiño actual (más aún) con su manera de criticar y desmerecer. Finalmente es como siempre un placer encontrarme con Steve Coogan en el papel de el Embajador Mercy.

Si de criticar la banda de sonido se trata, puedo defender a Coppola diciendo que en la fiesta de disfraces en la que todos bailan al son de Siouxie and the Banshees ninguna otra canción se me ocurre más apropiada, aunque en realidad existe otra melodía más acorde aún: “Ceremony” de New Order en la fiesta de cumpleaños número 18 de María Antonieta.

Párrafo aparte y final merece Kirsten Dunst que contra todos mis pronósticos una vez finalizada la película ya no puedo imaginarme otra protagonista para esta María Antonieta que lo hiciera mejor.

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País: Estados Unidos
Año: 2006
Título internacional: Deja Vu
Guión: Bill Marsilii , Terry Rossio.
Director: Tony Scott.
Actores: Denzel Washington, Paula Patton, Val Kilmer, James Caviezel, Adam Goldberg, Elden Henson, Erika Alexander, Bruce Greenwood, Rich Hutchman, Matt Craven, Donna W. Scott, Elle Fanning, Brian Howe, Enrique Castillo, Mark Phinney.
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“Me parece que he visto un lindo gatito ¡Es cierto, es cierto! He visto un lindo gatito”.

A pesar de que el trailer de Déjà vu me daba la impresión de que el producto final no iba a ser de mi agrado, me mandé al cine igual sólo para hacerme rabiar.

Siempre lo mismo. Distintas historias, distintos actores pero la receta se mantiene intacta. Échenle la culpa al género, a los grandes estudios, a la falta de riesgo, a lo que sea. Pero el hecho es la repetición hasta el hartazgo.

Sr. policía es puesto a investigar un caso, descubre algo raro, conoce a una chica que le gusta, la chica que le gusta está metida en ese algo raro que descubrió, quiere salvarla, ella agradecida como es, le retribuye el gesto con un beso.

Teniendo la trama resuelta ahora debemos complicarla lo suficiente para que resulte atractiva. Agreguemos dos kilos de explosivos, media taza de conflictos espacio/temporales, 1/4 litro de lágrimas, una pizca de gracia y la levadura suficiente para lograr la dosis justa de patriotismo. Luego de 128 minutos de horno moderado, retirar cuando aún no esté cocido (es bueno que parezca hecho al azar).

Como siempre la historia más interesante (los conflictos espacio/temporales) es la que se desvanece en pos de la insulsa -hasta acá, después se pone peor- historia de amor (¿?).

Nota a los guionistas: explicar las posibilidades de doblar las líneas de tiempo y espacio en 2 párrafos en menos de 2 minutos no hace al guión inteligente. Sólo hace que la audiencia que puede seguir semejante chorrada de palabras se sienta más inteligente por haber entendido las teorías antes mencionadas (la situación es sumamente grave si por este guión han facturado 5 millones de dólares).

Nota a Scott: basta con los cortes abrubtos y los innumerables planos de video clip noventoso, ¡ya vimos Enemigo público!

Eso sí, la persecución en el Hummer es muy buena.

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